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  • Foto del escritorAlba López Santos

"Viajar es vivir." Entrevista a Irene López de Castro.

Actualizado: 18 ago 2020

"En un mundo que tiende a lo digital, la Pintura sigue siendo válida, porque la materia tiene belleza y energía propias. Cultivad el Dibujo, porque es la base de la Pintura y cada artista es único en su trazo. Es el mejor modo de desarrollar un estilo personal y ser original."

Irene López de Castro.



"Río Níger". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo.  Irene López de Castro. (2017)
"Río Níger". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo. Irene López de Castro. (2017)

Amante de la belleza, Irene López de Castro nos narra el camino de su vida a través de sus exquisitas obras realizadas de la forma más tradicional.

La artista española (Madrid, 1967) desde su primer viaje a Mali en 1989, quedó maravillada de una cultura y forma de vida, un vínculo emocional nació, y desde entonces por medio de dibujos y escritos, pinturas, nos cuenta su experiencia, recreando un asombroso y mágico imaginario de sus viajes.


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Sobre sus orígenes:


Naciste en Madrid en el año 1967, ¿Cómo recuerdas los primeros años de tu vida?

Soy de sangre andaluza. Mis padres son malagueños, así como casi toda mi familia más directa, aunque también tenemos orígenes almerienses, como mis abuelos paternos. Mi infancia fue normal supongo, en el seno de una familia clásica española con varios hermanos.

¿A qué se dedicaban tus padres? ¿Pertenecen también al mundo de las artes y las letras?

Mi padre ingeniero y economista, tiene una voz de barítono espléndida. Mi madre, tenía talento para la pintura, aunque no se dedicó a ello profesionalmente, porque su trabajo éramos nosotros, sus 5 hijos. Ambos me han apoyado, les gusta tener una hija artista…aunque sé que al principio les preocupaba de qué iba a vivir.

Cuando fuiste a la escuela, al colegio, ¿qué valor tenían las artes plásticas? ¿Se enseñaba dibujo y/o técnicas pictóricas? O por otro lado, ¿únicamente era una formación más teórica?

Recuerdo más bien el dibujo artístico, odiaba el técnico, aunque por suerte, en aquellos tiempos no nos machacaban demasiado con ello… Dibujar era mi actividad preferida. Hoy los estudiantes apenas tocan el dibujo artístico, la mayoría es técnico.

¿Cuál era tu sueño de la infancia/adolescencia?

Pintar, viajar, formar una familia…


Formación:

¿En qué momento de tu vida te das cuenta de que quieres formarte en Bellas Artes? Siempre me gustó dibujar. Durante años no fui buena estudiante. Me aburría y distraía bastante. Hacia 6º de EGB alguien me habló de la carrera de Bellas Artes, entonces empecé a estudiar y a sacar mejores notas, porque necesitaba buena media para entrar.

¿Cómo fueron los años de Universidad?

Yo era tímida, llena de complejos, muy cerrada. De pocos amigos. En cuanto a la carrera, esperaba aprender más, sobre todo de técnicas. En 3º de carrera tuvimos una huelga que nos dejó sin clase casi un año completo, ese año para mí fue un tiempo perdido. En general acabé bastante desanimada. Fue una época de inestabilidad y desorientación.

¿Qué profesor/-es marcaron tus años de estudio?

Tuve la suerte de tener a Narváez Patiño en Dibujo, un profesor con vocación, buen pintor, que nos trataba con mucho cariño a todos. Fue el único que me animó a ser pintora. También recuerdo a Pedro Saura, profesor de fotografía, creo que su trabajo sobre los Papúas me influyó mucho, porque me dieron ganas de viajar.

Además de Bellas Artes, ¿tienes otro tipo de formación?

Antes de la universidad, fui varios años a la academia de D. Amadeo Roca. Con él aprendí a dibujar y di mis primeros pasos en la pintura. Era muy exigente con el nivel de dibujo, no pude comenzar a pintar hasta que estuve dos años dibujando con él. Creo que fue una enorme suerte formarme con él.

En 1990, mis amigos Kandioura Coulibaly y Annick Turner me iniciaron en la técnica del bogolán, la pintura de barro de Mali. Después de la universidad hice algún curso más, por ejemplo grabado calcográfico con Mario Marini.


Carrera profesional:

Desde el punto de vista técnico, ¿qué enseñanzas o influencias consideras más relevantes en tu obra?

A pesar de haber estudiado Bellas Artes me considero bastante autodidacta. La técnica que utilizo surgió de la necesidad de fabricar mis propias pinturas y del placer de jugar con la materia. Creo que nació de la rebeldía por seguir pintando, con pintura y pinceles, a pesar de la tendencia en el arte contemporáneo… En aquellos tiempos pintar no estaba de moda y menos algo figurativo.

¿Te sientes identificada con alguna tendencia en concreto o prefieres no ser clasificada en ningún tipo de movimiento?

Siempre me he sentido como un viajero solitario, pero admiro a algunos pintores españoles del siglo XIX.

¿Has trabajado con otros artistas? En tal caso, ¿qué proyectos llevaste a cabo con ellos?

Pocos, aunque recientemente he comisariado una exposición en Casa de Vacas Retiro, de arte contemporáneo africano en bogolán, titulada Groupe Bogolan Kasobane El arte de la pintura de barro en Mali, si os apetece podéis verla en este enlace www.siteart.es/Kasobane . Ha sido uno de los mayores éxitos de mi carrera, 29.000 visitas. Comisariar es también una forma de crear. Es un proyecto que comenzó en 1990, con mi segunda visita a Mali… También entre 2005 y 2009 quise sacar un libro de obra gráfica, basado en mis cuadernos de viaje. En esta obra colaboró el poeta de Tombuctú, Ismael Diadié Haidara, bajo el seudónimo de Ismael Kati. La obra se llama Djoliba, 10 grabados y 10 poemas sobre el Rio Níger, editada en el estudio de Juan Lara.


Conociendo a Konimba Diarra. Irene López de Castro (2017)
Conociendo a Konimba Diarra. Irene López de Castro (2017)

Llevas viajando más de 25 años, compaginando trabajo con viaje y viaje con trabajo. ¿Cómo es que decides desplazarte en el espacio para crear obra? ¿Siempre quisiste viajar? ¿Por qué?

Viajar a África con 21 años me dio la inspiración que necesitaba para seguir dedicada a la pintura. Llenó mi vida de un modo intenso a muchos niveles. Por entonces tenía una crisis de juventud y África me dio esperanza y alegría. Creo en el arte con mensaje, en la música y en la pintura con contenido…no sólo en un ejercicio de ritmo, armonía, colorido… Sentía el panorama del arte vacío. Decidí tomar un camino sencillo, mostrar la Belleza, si es que podía hacerlo… me pareció un reto suficiente. Y válido.

Siempre quise viajar, pero lo de África fue una sorpresa y más Mali. Todo esto lo cuento en un libro que estoy preparando y espero vea la luz antes de que se apague la mía… estoy tardando, es un libro escrito al ritmo de los blues africanos.

El viaje, ¿solamente sirve como inspiración? ¿Qué es lo que te aporta el viaje?

Viajar es vivir. Aporta riqueza, Verdad. Conocimiento. Profundidad. Enseñanza. Crea lazos. Me hace sentir fuera del tiempo, en una realidad diferente, cuya experiencia me guía a la hora de pintar.

Únicamente de tu obra se conoce obra plástica creada en tus distintos viajes, ¿tienes obra que no esté relacionada con el viaje?

He cultivado también otros temas; naturaleza muerta, paisaje, retrato, etc… lenguaje figurativo y abstracción. Pero mi interés por África ya condicionó totalmente el contenido de mi obra desde 4º de carrera. En 5º mi pintura era bastante abstracta. Curiosamente la obra se ha ido haciendo más figurativa con los años. Los paisajes fueron un ejercicio de 5º de carrera, que seguido cultivando, pero no me gusta mezclar los temas al exponer. Realizo retratos por encargo. En las exposiciones me gusta transportar al espectador. Para eso es necesario crear un ambiente. En cuanto a la inspiración, no puedo hacer zapping. Si dejo de pintar un tema, yo misma salgo de ese tema y es posible que no pueda volver. No hay marcha atrás.

¿Durante cuánto tiempo convives con una comunidad para conseguir un vínculo fuerte, un conocimiento pleno del lugar?

No colecciono lugares ni países. He estado una quincena de veces en Mali y si no fuera por el problema actual de inseguridad, volvería. En 15 días no se conoce ni se puede pintar sobre un lugar. Hay que crear un vínculo personal y sobre todo, contactar con sus habitantes.

Con tu obra buscas conectar a las personas, en una ocasión dijiste que: "la pintura hace de puente entre culturas", ¿crees que con tu obra el espectador es capaz de apreciar la realidad de un pueblo, de una civilización?

Creo que el espectador es capaz de contactar con algo sutil, no tanto con una realidad material, sino con una realidad espiritual. Lo que ahora corresponde con la vida diaria no se parece a lo que yo conocí, pero eso no quiere decir que no podamos recrearla en un mundo imaginario…. Mis amigos de Mali dicen que Mali es el país de los sueños

Como viajera, y analista (estudiante) de otros pueblos, y formas de vida tan distintas a las que se viven en Europa o América del Norte, habrás visto cosas muy impactantes, muy agridulces por así decirlo, ¿recuerdas alguna que te haya marcado personalmente?

Más bien en la India…, en Bodghaya…. montañas de pobres… o, una mina de oro en Burkina Faso que parecía una fotografía de Sebastiao Salgado en 3D y a color…. Pero no recuerdo tantas cosas agridulces de África. Influye mucho tener un buen compañero de viaje, que sea compatible con tu forma de viajar. Nada de viajes en grupo.

En tu obra, basada principalmente en determinados puntos de India y África, donde los medios de vida son complejos debido a situaciones sociales, situaciones políticas-económicas, contaminación atmosférica, acuífera y terrestre, grandes sequías e inundaciones..., no se refleja la dificultad en la que viven muchos de estos pueblos, ¿por qué?

No me interesa dar forma a lo negativo, pensar, trabajar sobre el dolor o lo que no quiero. Para mostrar esa parte hay ya muchos reporteros o artistas cuyo trabajo es la denuncia social. Yo pinto lo que quiero re-crear. Si la palabra tiene poder, ¿dar forma a una triste o alegre realidad no será también importante? Creo que me cansé de la fealdad en el arte mientras estudiaba Bellas Artes y en las ferias de arte contemporáneo. En el fondo, pintar lo bello es pura rebeldía. Ir contracorriente. Supone un reto mayo.

¿Qué buscas o que deseas transmitir realmente con tu obra?

Busco fluir a través de mi propia visión, de manera natural, inspirándome en recuerdos y transmitiendo luz y belleza.


"Mujeres de Tombuctu". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo. Irene López de Castro. (2017)
"Mujeres de Tombuctu". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo. Irene López de Castro. (2017)

Proceso creativo:


¿Cómo se desarrolla la idea original? ¿Investigas antes de viajar a cada lugar?

Investigo lo mínimo. Mejor sorprenderse que verlo antes. Dibujo en los viajes, llevo un cuaderno de viaje.

¿Cuál es la importancia de los bocetos previos?

En este apartado habría que diferenciar entre los bocetos, como estudios previos a la pintura y como apuntes de viaje:·

El boceto, como estudio preparatorio en una pintura: Yo no realizo bocetos previos, se me va la energía. El boceto se sacrifica porque la pintura prosigue sobre el dibujo inicial.· El boceto como obra en sí misma: apuntes de viaje. Los apuntes son el viaje, diario, momentos, la realidad a través del lápiz. No los vendo. Nadie me podría devolver a aquel lugar. No tienen más que un valor sentimental, nadie los valoraría como yo… Pero a veces inspiran una obra a la vuelta a casa…ese cuadro parte de una idea de un boceto, pero no he hecho el boceto como preparación de un cuadro… son independientes.

¿Consideras los bocetos como obras acabadas con valor expositivo en sí mismas?

Si, por qué no… pero no me gusta mutilar los cuadernos… no separo los apuntes de su cuaderno…sería como arrancar las páginas de un libro…se rompe el hilo y no se puede volver a coser. Lo ideal es exponerlos abiertos y tener un monitor desde el que el visitante pueda visualizar el cuaderno, a su ritmo.

¿Trabajas personalmente en todos los procesos de realización de tu obra?

Sí.

Las obras de mayor formato, ¿son realizadas in situ o en tu estudio en Madrid?

En mi estudio.

¿Te ayudas de fotografía o vídeo para la creación de tu obra?

Mis fotografías son una herramienta, que junto a los apuntes de viaje y los recuerdos me ayudan a rememorar, a volver al lugar. No copio la fotografía, me inspiro en ella, pero tiene que ser una fotografía de uno de mis viajes, si no, no puedo. En realidad, tengo tan interiorizado lo vivido, que mirar hacia fuera es sólo una excusa.

La toma de material audiovisual durante tus viajes, ¿forma parte de la obra? ¿La complementa?

Los dibujos complementan la pintura, son algo distinto a las pinturas. Las fotografías o los vídeos me sirven de recuerdo.

¿En qué momento decides que un trabajo está acabado para ser expuesto o vendido? Es algo que se siente. Con el tiempo aprendes a saber cuándo una obra está terminada. Trabajar demasiado una obra puede ser perjudicial. La belleza está, hasta que no está. La exposición es como una familia de obras, un encuentro, también sientes si necesitas algo más o te sobra algo…

¿Qué tipo de materiales y técnicas utilizas en la actualidad? ¿Ha cambiado tu forma de trabajar desde que comenzó tu carrera profesional?

Ha cambiado algún pigmento que ya no encuentro… o materiales, como la materia de carga para dar textura…pero básicamente es la misma técnica, acrílico artesanal, aunque he ido añadiendo algo de oleo al agua desde hace unos años.

¿Qué es más importante en cuanto a los materiales: la apariencia visual u otras cualidades como significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación…?

Hay que usar buenos materiales, pero no me gusta lo que es demasiado industrializado. Huyo de lo artificial. Soy muy zen en el tema de los materiales…. Mi técnica se parece mucho a las pinturas prehistóricas, colores naturales, soporte absorbente…

¿Consideras tus obras efímeras, es decir, pensadas para un tiempo determinado? ¿O te gustaría que dentro de varios siglos las generaciones del futuro pudieran contemplar tu trabajo?

Me gustaría que pervivieran, claro.

¿Cómo transportas y almacenas tus obras?

Los lienzos, en su mayoría, se pueden enrollar para ser enviados a otros países. De hecho durante tiempo pintaba, enrollaba y sólo antes de exponer, montaba la obra en el bastidor y enmarcaba… Mi estudio era muy pequeño. También es una de las razones por las que elegí el acrílico y no el óleo, el cual, en determinados grosores resulta más frágil.

¿Has tenido algún problema específico de deterioro en alguna de sus obras?

Como cualquier pintura, no se deben exponer a la luz o a la contaminación.

¿Consideras que el envejecimiento de tus obras puede disminuir la expresividad de las mismas?

Hay que conservarlas en condiciones normales, sin humedad, suciedad, etc… Como cualquier obra, si se ensucia pierden luz o color. Pero en general creo que no envejecen mal. Al menos no se craquelan, porque en acrílico los craquelados se ven enseguida, en el óleo pueden tardar muchos años, como en el caso de las pinturas de William Turner, que en su búsqueda de la luz empastó grandes zonas de óleo blanco que se han craquelado al secar el aceite.

En cuanto a la difusión de tu obra, ¿consideras las redes sociales fundamentales en la misma?

No lo creo. Mucha gente me conoce de antes de la era del Facebook. Realmente no me he metido seriamente a darme publicidad en la red. Creo que los cuadros deben ser contemplados en directo, con su luz y en el espacio adecuado.

En la actualidad:


¿Qué proyectos tienes en la actualidad?

Una exposición en un museo, en el extranjero y en España, aún no quiero anunciarlas. ¿Cómo te ves dentro de 10 años? ¿Seguirás viajando y pintando?

Tengo 50 años… 10 o 15 años, sí. Después, no sé…sería bonito hacer un viaje muy largo. Durante toda tu carrera, ¿has recibido el apoyo familiar?

Sí.

¿Qué han opinado y opinan tus seres más allegados de tus viajes por África e India? En mi primer viaje, con 21 años, mis padres pensaban que estaba loca. Pero después se acostumbraron.

¿Te gustaría ir a pintar a otras partes del mundo o tienes una gran debilidad por estos lugares (África e India)?

Me gustaría viajar a más lugares, no necesariamente para pintar sobre ellos.

Teniendo en cuenta el radicalismo feminista que está habiendo en Europa, como por ejemplo el movimiento "Femen", y teniendo en cuenta tu experiencia en países donde el papel de la mujer es completamente secundario, ¿qué opinas al respecto? ¿Cuál crees que es el verdadero papel de la mujer en Occidente?

En el mundo existe falta de equilibrio entre lo femenino y lo masculino. Existe en cada uno de nosotros y en la sociedad. No se trata de igualar, sino de valorar y aportar la visión femenina. Las mujeres no tienen que ser hombres, está todo revuelto. En el arte y en el mundo creo que hace falta la sensibilidad femenina.

¿Cuál crees que es el papel de la mujer y futuro de la mujer en los países subdesarrollados donde sí que existe una sociedad totalmente patriarcal?

Las mujeres son fundamentales en esos países, pero acceden menos a la educación y al mercado laboral. Eso cambiará poco a poco, como también ha pasado en Europa. Tenemos mucha suerte de vivir en esta época y no en la de nuestros padres. Doy gracias por ello.


"Es Saheli". 60 x 45 cm. Óleo sobre lino. Irene López de Castro. (2017)
"Es Saheli". 60 x 45 cm. Óleo sobre lino. Irene López de Castro. (2017)

¿Ha sido para ti difícil el camino por ser mujer? ¿Te consideras, por tanto, una mujer fuerte?

En mis tiempos de estudiante había pocos chicos y los mimaban bastante. Pero no me he sentido discriminada por ser mujer, sí es más complicado combinar la vida laboral y familiar, lo normal de cualquier mujer. Me considero fuerte y frágil a la vez. En cuanto a los viajes, creo que hubiera sido más fácil siendo hombre, pero he viajado todo lo que he querido.

Por otro lado, hoy en día la competencia en el mundo de las artes es altísima, miles de millones de personas pintan, dibujan, esculpen. Muchas de ellas autodidactas, buscan su hueco en galerías de arte virtuales, blog y cuentas en redes sociales tales como Instagram o Facebook, ¿qué opinas al respecto? ¿Crees que es un problema para los artistas emergentes y consagrados?

No, cuanto más arte haya, mejor.

¿Utilizas estas redes sociales para dar a conocer tu trabajo?

Un poco, especialmente Facebook, pero soy poco hábil en las redes. Quitan mucho tiempo. Mi punto débil es la comunicación, emails, contactos, organización…es una asignatura pendiente.

¿Cuál crees que es el papel que ocupan las galerías de arte físicas en la actualidad? ¿Crees que están perdiendo importancia respecto a Internet? ¿Y el papel de las ferias de arte?

Las galerías físicas no es que estén perdiendo importancia, es que muchas han cerrado. El coleccionismo ha disminuido y algunas no lo soportaron. Las ferias creo que gozan de mejor salud. Internet tiene mucha fuerza, pero la pintura no se puede apreciar bien desde un ordenador. Creo que en España hace falta promover la cultura, el coleccionismo y apoyar tanto a artistas como a galeristas. Bajar el IVA en la venta del arte, aunque en la venta directa con el artista el IVA es del 10%, en las galerías españolas es un 21 %, mientras que en Francia es un 6%. En Corea, el IVA en el arte no existe. Habría que mimar más a los galeristas. El artista no es un buen vendedor y la figura del intermediario sigue siendo necesaria. Las galerías deben de tratar bien al artista, su verdadero socio. El gobierno debería mejorar la situación laboral de los autónomos artistas, porque aunque seas artista, eso no quiere decir que fabriques cuadros y vendas todos los meses…. Hay épocas además de barbecho, de silencio…. Los que legislan tendrían que pensar que los creadores no creamos 12 horas al día, ni 5 días a la semana, con 15 días de vacaciones.

¿Qué consejo darías a los jóvenes artistas?

Dibujar mucho y aprender mucho sobre técnicas. Llevar siempre encima un cuaderno para hacer apuntes. No esperar que los profesores te enseñen todo, investigar, ver exposiciones y aprender de los compañeros. No competir, sino colaborar. Guiarse no sólo por la mente, sino por el espíritu. Poner entusiasmo y amor.

¿Te sientes satisfecha con todo el trabajo que has realizado durante estos más de 25 años de carrera profesional?

Sí, pero podría haber pintado más.

Hoy por hoy, ¿cuál es tu sueño?

Seguir creando, exponiendo y terminar mi libro.

¿Te gustaría añadir algo más?

Algo para los jóvenes… En un mundo que tiende a lo digital, es fácil crear imágenes en un ordenador… pero la materia tiene belleza y energía propias. Mantened la pintura y el dibujo, porque cada artista es único en su trazo. Es la mejor forma de desarrollar un estilo personal y ser original. Buscad la belleza.


"Lavanderas en el Níger". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre tela. (2017)
"Lavanderas en el Níger". 100 x 200 cm. Técnica mixta sobre tela. (2017)


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Entrevista a Irene López de Catro por Alba López Santos

Septiembre 2018. Bangkok, Tailandia.


Todo el contenido de esta publicación esta sujeto a derechos de autor. ©

Colaboración con ©Rumbo a lo Desconocido

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